10 mostre d'arte sotto il radar da vedere ora

I nostri critici selezionano mostre in musei e gallerie che offrono una pausa dai canti e dalla folla.

Love Vibe (1999-2014), una serie di pannelli nella mostra Rochelle Feinstein: Image of an Image, al Bronx Museum of the Arts.

Il Bronx Museum of the Arts

Nella sua indagine sulla carriera, Immagine di un'immagine, Rochelle Feinstein, originaria del Bronx, dimostra di poter fare qualsiasi cosa con la pittura. Può raccontare la storia o raccontare una barzelletta. Riesce a trasformare in arte biancheria, fotografie, giornali, cartoni e fotocopie. Può insegnarti qualcosa sull'aspetto e sulla vita. (Fino a poco tempo fa, la signora Feinstein era professore di pittura a Yale.)



Questo artista, un mago del colore, è un newyorkese spiritoso. Spruzza e spreme la vernice e macchia con essa. Diverse opere sembrano odi alle cartelle colori o alla teoria del colore che gli studenti imparano a scuola. Le sue battute sono oscure e ironiche. Un dipinto in bianco e nero con lettere grandi e grosse pubblicizza The Estate of Rochelle F. (2009-10), un promemoria di come gli artisti (e in particolare le donne) siano spesso riconosciuti solo postumi.

Immagine

Credito...Collezione Perez Art Museum Miami

Una tensione morbosa attraversa alcune delle opere mentre la signora Feinstein è alle prese e combatte le forze che cercano di chiudere la pittura a favore di altri media. El Bronco (1994) presenta una stampa di pneumatici bianchi e rigidi che sventola verticalmente lungo una tela nera, accennando ai dipinti con zip a colori di Barnett Newman e Pneumatico orizzontale 1953 di Robert Rauschenberg segno su carta — ma anche a O.J. La Ford Bronco di Simpson e gli omicidi e i processi penali che hanno polarizzato questo paese intorno alle linee razziali a metà degli anni '90.

Love Vibe (1999-2014) è un murale a margherita di sei dipinti verdi e bianchi brillanti con testo nero stravagante che recita, ama il tuo lavoro, tranne per il fatto che le parole appaiono al contrario, come se viste in uno specchietto retrovisore . È un riferimento al modo in cui gli artisti si complimentano casualmente, forse senza sincerità, per gli sforzi degli altri. Sembra anche una lettera d'amore alla pittura e forse anche allo spettatore poiché, chi lo sa? Forse la signora Feinstein ama il nostro lavoro - guardare, contemplare, scrivere dei suoi dipinti - tanto quanto noi amiamo il suo. MARTHA SCHWENDENER

Fino al 3 marzo 1040 Grand Concourse, Bronx; 718-681-6000, bronxmuseum.org .

La Morgan Library & Museum

Immagine

Credito...Pieve dei Santi Michele e Francesco, Carmignano

La più piccola delle grandi mostre museali dell'autunno è incentrata su un unico capolavoro manierista: la splendida opera di Jacopo da Pontormo visita (1528-30), che raffigura l'incontro della Vergine Maria con l'anziana cugina Elisabetta. Entrambe sono incinte (Elisabetta con Giovanni Battista); ciascuno è accompagnato da un'assistente femminile. È stato eseguito per una famiglia nobile a Carmignano, in Italia, dove è appeso sopra la pala d'altare nella chiesa parrocchiale. Il Morgan ha installato il dipinto in modo simile, nella Clare Eddy Thaw Gallery, grande quanto una cappella. Consiglio di sedersi sulla panca fornita e di guardare in alto, come dal primo banco.

Visitation è un knockout, alto più di nove piedi. Le quattro donne sono più grandi della vita, fanno sembrare piccoli due uomini piccoli che sono visibili nell'angolo in basso a sinistra del pannello, che indossano maschere bianche e oziano di fronte a un edificio. L'opera manifesta la caratteristica finezza di gesto e di espressione del Pontormo, soprattutto nell'incontro degli occhi e delle mani belle e gentili di Maria ed Elisabetta. Inoltre, caratteristicamente, le figure fluttuano più che stare in piedi, la loro serenità contrasta con il vortice dei loro indumenti, che riflettono l'innovativo propensione dell'artista per le tonalità decise e gli abbinamenti pungenti.

Rianimati dalla recente conservazione, i colori del Pontormo sembrano volutamente provocatori, ancora oggi; sono personaggi tanto quanto le donne, in particolare il vestito verde menta di Elizabeth e la veste arancione, e il rosa acceso su verde oliva indossato dall'assistente di Mary. Mary indossa un abito rosa chiaro per lo più coperto dalla sua veste tradizionalmente blu, che qui ha un tocco di topazio. ROBERTA SMITH

Fino al 6 gennaio. 225 Madison Avenue; 212-685-0008, loroorgan.org .


Società Storica di New York

Immagine

Credito...progetti di Betye Saar e Roberts, Los Angeles; Robert Wedemeyer

Betye Saar , ora 92, ha svolto un lavoro importante e influente per quasi 60 anni. Eppure nessun grande museo di New York le ha dato una retrospettiva completa, o anche una mostra personale significativa, da una personale del 1975 al Whitney Museum of American Art. Come la mostra della New York Historical Society Betye Saar: Keepin' It Clean dimostra, la supervisione istituzionale è particolarmente sconcertante, poiché i suoi temi principali - giustizia razziale e femminismo - sono esattamente in sintonia con il momento presente e, in effetti, con ogni momento americano nella memoria.

La signora Saar è cresciuta nella sezione Watts di Los Angeles, osservando l'artista italiano immigrato Simon Rodia costruire le sue favolose torri con materiali di scarto. Un incontro con l'arte di Joseph Cornell nei primi anni '60 la convinse che l'assemblaggio poteva essere intimamente ridimensionato e politicamente puntato. A quel punto, era già coinvolta nel Arti nere e movimenti femminili. Il suo pezzo rivoluzionario del 1972, La liberazione di zia Jemina , fonde i due trasformando lo stereotipo razzista della sorridente mamma nera in un combattente per la libertà armato.

Nello spettacolo alla New-York Historical Society, che nasce dal Museo dell'artigianato e dell'arte popolare a Los Angeles , appare la stessa figura, anche se l'elemento principale trasformato è diverso: l'antica tavola per lavare in legno, un tempo graffetta domestica e ora un antico manufatto. Generazioni di donne, tra cui domestiche, l'hanno usata per tenere le cose pulite, senza però poter cancellare dalle loro vite le macchie di razzismo e sessismo. Ma nel presente di Black Lives Matter e #MeToo, la lotta per farlo continua. Tempi estremi richiedono eroine estreme è il titolo di un'opera in mostra. Qualcuno dovrebbe avvisare il principale museo d'arte sul lato opposto di Central Park che qui c'è una di queste eroine. OLANDA COTTER

Fino al 27 maggio. 170 Central Park West; 212-873-3400, nyhistory.org .


Collezione Frick

Immagine

Credito...The Frick Collection, New York

Una mostra colta sulle funzioni religiose della prima arte olandese, La Certosa di Bruges è stato montato in una galleria non più grande di un guardaroba, anche se un confronto più appropriato potrebbe essere con la cella di un monaco.

Bruges, che ora attrae turisti con un gusto per le crociere sui canali e il cioccolato belga, era nel 1440 tra le città europee più dinamiche per l'arte e il commercio. Era anche sede di un rigoroso ordine certosino, devoto al silenzio, il cui capo, Jan Vos, commissionò dipinti a due dei migliori artisti di Bruges per la certosa dell'ordine, o monastero. Si sono riuniti qui: la gemma dura di Frick Madonna con Bambino e S. Barbara, S. Elisabetta e Jan Vos , probabilmente iniziato da Jan van Eyck e terminato dalla sua bottega dopo la sua morte, e un'altra immagine della Vergine e del monaco di Petrus Christus, prestato dalla Gemäldegalerie di Berlino. In entrambi vediamo Vos in una veste con cappuccio color fumo, in ginocchio davanti a Mary, con i capelli gravemente tonsurati.

Un amante della pittura dei Paesi Bassi potrebbe passare giorni a confrontare la gestione della tempera da parte di questi due artisti fiamminghi, i loro dettagliati paesaggi urbani, la loro cura per i riccioli di Mary o il mantello di Vos. Ma la genialità di questa mostra, organizzata dalla giovane curatrice Emma Capron, è che guarda oltre la forma alle questioni d'uso. Il Van Eyck più grande era per la devozione pubblica - gli spettatori che dicevano l'Ave Maria prima che sarebbero stati detratti 40 giorni dal loro tempo in purgatorio - mentre il Petrus Christus, non più grande di un foglio di foglie sciolte, poteva essere stretto o addirittura baciato durante la preghiera . E altri oggetti qui, incluso un minuscolo, incernierato preghiera di legno tallone che si apre per rivelare una scena devozionale minuziosamente scolpita, estendono la nostra visione dell'arte religiosa europea oltre la pittura. Queste opere erano pensate per molto di più del nostro semplice sguardo. JASON FARAGO

Fino al 13 gennaio 1 East 70th Street, Manhattan; 212-288-0700, frick.org .


Istituto per lo Studio del Mondo Antico

Immagine

Credito...Biblioteca Nazionale di Francia, Parigi; Tahnee Cracchiola / Getty-Bibliothèque Nationale de France

Nel 1830, un contadino normanno che lavorava un nuovo pezzo di terra vicino al villaggio di Berthouville raccolse 50 libbre di argento antico romano. Il tesoro, che alla fine fu acquisito dalla Bibliothèque Nationale de France, divenne noto come il Tesoro di Berthouville. Essendo stato sepolto sul terreno di un tempio di Mercurio, includeva una statuetta del dio, che, alta quasi due piedi, è uno dei pezzi più grandi sopravvissuti dall'antichità.

È tra le dozzine di opere ora in mostra in Devozione e decadenza: il tesoro di Berthouville e il lusso romano dalla Bibliothèque Nationale de France , mettendo in evidenza le realizzazioni degli antichi argentieri.

Luminoso e splendente in una vetrina climatizzata dopo a conservazione per anni al Getty , nudo tranne che per il suo emblematico bastone intrecciato a serpenti, la figura ha una curiosa somiglianza con quello di Michelangelo David : La sua testa arruffata è leggermente sovradimensionata e la sua struttura muscolosa si erge in un sottile contrapposto. Ma mentre taglia una silhouette elegante ed è un sorprendente esempio di lavorazione dei metalli, ciò che è veramente notevole in lui è il suo aspetto ordinario: insieme a ciotole a tema erotico, piatti martellati decorati con elaborate scene mitiche e una pila di tazze d'argento rotte maniglie, la statuetta evoca un mondo perduto del lusso in cui anche le famiglie di provincia erano ben fornite di stravaganti oggetti d'arte.

Un'altra figura di Mercurio, sopravvissuta in frammenti, è stata ricomposta nel XIX secolo con cera d'api. La cera potrebbe essere stata originariamente colorata per fondersi con l'argento, ma il tempo l'ha scurita, quindi la figura è ora allo stesso tempo una finestra sull'antica ricchezza e sulla pratica museale del XIX secolo. HEINRICH

Fino al 6 gennaio. 15 East 84th Street, Manhattan; 212-992-7800, isaw.nyu.edu .


Grey Art Gallery, New York University

Immagine

Credito...Archivio Mario De Biasi

Le opere d'arte più associate al neorealismo italiano sono film strazianti che drammatizzano le difficoltà della vita del dopoguerra. Questa mostra sostiene un movimento fotografico neorealista italiano che potrebbe non aver prodotto capolavori allo stesso ritmo, ma era più ampio e meno rigido rispetto alla sua controparte cinematografica.

Composto da 174 immagini di 73 fotografi, insieme a filmati, libri e riviste, il NeoRealismo inizia con il fascismo. Il populismo surrogato di Mussolini e l'immaginario propagandistico hanno posto le basi per i decenni dopo la guerra, quando la romanticizzazione degli italiani comuni che si sforzavano di costruire la propria vita e la propria nazione divenne sempre più espansiva. Franco Pinna la fotografia del 1952 di una donna che si dice sia la strega della città, che è raffigurata con riverenza, come una santa, e Chiara Samugheo L'interessante serie del 1955 di donne descritte come possedute dimostra un abbraccio al paese in tutte le sue idiosincrasie.

Immagine

Credito...Gianni Berengo Gardin

Le persone sono il cuore pulsante del NeoRealismo. Sono mostrati da vicino, in ritratti carichi di intimità, e lontani, sminuiti da ambienti ostili. Li vediamo per le strade o eseguire lavori fisici, raramente nelle loro case. Il neorealismo era interessato alla vita privata solo nella misura in cui si relazionava con una pubblica, collettiva - un principio riassunto da Mario Ingrosso le fotografie del 1952 di un corteo nuziale all'aperto. (In uno, la sposa attraversa un ruscello mentre qualcuno tiene il fondo del suo vestito.)

A questo proposito, il movimento era senza dubbio un progetto politico. Eppure le immagini più forti aderiscono ancora a preoccupazioni artistiche, come Nino Migliori degli Emiliani. Summer's Evening (1953), con le sue ombre ricche e la composizione tranquilla. In alcuni casi, i fotografi lasciano persino entrare una potente ambiguità. Una foto perfetta del 1960 di Gianni Berengo Gardin cattura una coppia ben vestita in sella a uno scooter davanti a un edificio sulla cui facciata è stampato uno slogan fascista sbiadito: Noi siamo contro la vita comida, o, siamo contro la vita comoda.' JILLIAN STEINHAUER

Fino all'8 dicembre. 100 Washington Square East, Manhattan; 212-998-6780, greyartgallery.nyu.edu .


Cooper Hewitt, Museo del design Smithsonian

Immagine

Credito...Matt Flynn/Smithsonian Institution

Questo museo eccelle nelle mostre ricche di informazioni un po' arcane incarnate da oggetti visivamente abbaglianti, e pochi soggetti si qualificano per questo approccio come il colore. Questo spettacolo è tanto più impressionante perché i quasi 200 oggetti in mostra, che spaziano attraverso i secoli, sono stati tratti quasi interamente dalle vaste proprietà di Cooper Hewitt.

Sono integrati da circa 40 libri illustrati della Biblioteche Smithsonian , inclusa una rara copia di La grande arte della luce e dell'ombra , del 1671, in cui Athanasius Kircher disegnò per la prima volta le basi dello spettro dei colori (meno il viola) e l'innovativo metodo di J.C. Le Blon Coloritto, ovvero L'armonia del colorare nella pittura , del 1725, che pose le basi per la stampa a colori. Ma gli usi del colore nella vita reale sono la storia principale qui, dimostrata principalmente da un piccolo, affascinante gruppo dopo l'altro.

Ci sono connessioni da fare, come quella tra una scatola ricoperta di lacca intagliata della Cina del XVIII secolo e un'alta urna verde in nylon stampato in 3D. E ci sono esperienze a 360 gradi, tra cui un'alcova le cui pareti sono ricoperte di Scenic Wallpaper (anche digitale), progettata nel 2017 da Carnovsky. La presentazione sembra richiedere occhiali 3D, ma si mette a fuoco una volta entrati. Teoria e pratica si incontrano spesso con insolita chiarezza. Un esempio è la coperta in cotone 2012 della Index Collection che illustra in modo favoloso le gradazioni tonali della stampa a colori - monotono, bicolore e multitono - da pallido a intenso. Pensa alle ombre. ROBERTA SMITH

Fino al 13 gennaio 2 East 91st Street, Manhattan; 212-849-8400, cooperhewitt.org .


Museo di arte popolare americana

Immagine

Credito...Paa Joe e Jack Shainman Gallery, New York; tramite il Museo di arte popolare americana

Joseph Tetteh Ashong, meglio conosciuto come Paa Joe , fa bare. Dopo aver svolto un lungo apprendistato con il cugino Kane Kwei , a cui è attribuito il merito di aver reso popolare l'uso di bare di legno figurative in Ghana negli anni '50, Paa Joe è diventato il principale falegname funerario del paese, producendo migliaia di leoni dai colori vivaci, bottiglie di soda e automobili per le persone da seppellire. dei suoi pezzi esuberanti godono della luce del giorno solo per poche ore prima di scomparire nel terreno. Ma nel 2004, Paa Joe è stato incaricato dal mercante d'arte e gallerista Claude Simard di realizzare modelli in legno massiccio delle dimensioni di uno scrigno di 13 ex fortezze di schiavi della Gold Coast.

I sette di questi che sono ora in mostra all'American Folk Art Museum non sembrano monumenti alla miseria umana. Per prima cosa, sono tutti dipinti di fresco e immacolati, a differenza degli originali. Paa Joe ha anche il dono di un fumettista per trasmutare anche il materiale più complesso e brutale in un'espressione allegra del proprio temperamento artistico. L'architettura è compressa e abbreviata, e un modello pensato per suggerire una muratura mista assomiglia più a fette di pancetta volanti. Questo non vuol dire che la complessità sia stata eliminata: ogni modello porta i nomi e le date di tutti i suoi occupanti europei (1653 Svezia 1665 Gran Bretagna) così come una porta discreta etichettata Porta del Non Ritorno, e il sottotesto di una meditazione africana contemporanea sul il commercio degli schiavi è il più pesante possibile. È solo che il peso concettuale dell'opera non ostacola il suo travolgente piacere visivo. HEINRICH

Fino al 24 febbraio 2 Lincoln Square, Manhattan; 212-595-9533, folkartmuseum.org .


Museo Guggenheim

Immagine

Credito...R. H. Quaytman

Mentre sali sulla rotonda a spirale del Guggenheim, è come se la mostra dell'artista svedese Hilma af Klint (1862-1944) era improvvisamente esploso in 28 frammenti, spargendo piccoli quadri astratti sulle pareti. Questo è R.H. Quaytman's + x, capitolo 34 , una serie di opere realizzate nel 2018 in risposta all'opera di af Klint del secolo scorso.

La signora Quaytman è l'artista perfetta per rispondere a Klint. Uno dei protagonisti della pittura contemporanea post-concettuale, ha anche organizzato una mostra del lavoro di af Klint al MoMA PS1 nel 1989 . Af Klint ha lavorato in serie e la signora Quaytman lavora in quelli che lei chiama capitoli. E dove af Klint ha preso ordini da spiriti che ha affermato di aver contattato attraverso sedute spiritiche e altre tecniche occulte, la signora Quaytman, per questo progetto, ha adottato af Klint come suo potere superiore, lavorando in una vena collaborativa più secolare e canalizzata.

Immagine

Credito...La Fondazione Solomon R. Guggenheim; David Heald

Ogni baia nella spirale superiore del Guggenheim presenta un dipinto con un cerchio bianco in un profondo quadrato indaco. Questi sembrano portali, soli astratti o occhi visionari, ma riecheggiano anche la serie SUW/UW di Klint (1914-15), in cui, attingendo alla teosofia e all'antroposofia di Rudolf Steiner, trattava la pittura come un veicolo per fondere religioni e sistemi filosofici . In un testo sul muro vicino, la signora Quaytman commenta come af Klint, lavorando come uno scienziato pazzo, sia stato in grado di unire le facoltà razionali e intuitive per evocare idee metafisiche invisibili.

In altri pannelli tenui e post-minimalisti, la signora Quaytman prende in prestito il vocabolario simbolico di Klint, incluso il + e la x scritti a mano sulla prima pagina dei taccuini di Klint. Riflessivo e metodico, x +, il capitolo 34 è uno spettacolo tranquillo, una coda perfetta per af Klint. Laddove quell'artista svedese offre una sinfonia brillante e dinamica, la signora Quaytman risponde con un poema sinfonico sobrio, sobrio e leggermente dissonante. MARTHA SCHWENDENER

Fino al 23 aprile 1071 Fifth Avenue; 212-423-3575 , guggenheim.org .


Cooper Union, 41 Cooper Gallery

Immagine

Credito...Faith Ringgold, Società per i diritti degli artisti (ARS), New York; Haisi Hu

Questa presentazione è meno una mostra che un archivio e una sala di lettura walk-in e, in questo, è intimo e stimolante. In manifesti, riviste, libri e video, fornisce una panoramica storica della carta stampata che è stata progettata dalle donne nel secolo scorso o giù di lì per perseguire le libertà a lungo accordate agli uomini.

Il suo fermento inizia con una domanda di ammissione alla New York School of Design for Women, che faceva parte del Cooper Institute, come inizialmente si chiamava Cooper Union. Segue un ingrandimento di un volantino che invita le donne al primo incontro di massa femminista a Cooper nel 1914. Quel raduno è stato organizzato dal L'eterodossia Club di New York , fondata nel 1912 e durata fino agli anni '40. Nel mezzo, lo spettacolo documenta l'influenza del marxismo e l'agitazione combinata per i diritti delle donne e civili.

Le scoperte includono le meravigliose xilografie di Lucia Vernarelli, membro di le calze rosse ; Il poster del 1971 di Faith Ringgold a sostegno di Angela Davis, Angela libera dall'America ; e newsletter dal Archivi di storia lesbica , inclusa una commemorativa Audre Lorde (1934-1992).

Lo spettacolo si conclude con un nuovo grande e audace striscione di Ragazze guerriglie , i cui poster belli e dal design enfatico hanno colpito il mondo dell'arte con fatti sconcertanti sui dati demografici degli elenchi delle gallerie e delle collezioni dei musei per oltre quattro decenni. Ma il cuore pulsante della mostra potrebbe essere la letteratura femminista degna di molti lunghi tavoli che presentano classici come Il secondo sesso di Simone de Beauvoir e aggiunte recenti come l'impressionante spessore Manifesti femministi: un lettore globale di documentari , a cura di Penny A. Weiss e pubblicato quest'anno dalla New York University Press. Emozionante, tutti i libri sono disponibili per la navigazione e la lettura. ROBERTA SMITH

Fino al 2 dicembre. 41 Cooper Square, Manhattan; cooper.edu .