La Collezione Guggenheim vista da Six Art Stars

Tutti sono curatori di questi tempi. Ma quando viene chiesto ad artisti esperti di organizzare una mostra dalla collezione di un museo, può essere una grande cosa.

La vista dell

Le cose buone tendono ad accadere quando un museo invita un artista a vagliare le sue partecipazioni e a curare una mostra dalle opere di altre persone. Gli artisti guardano una collezione più liberamente e avidamente della maggior parte di noi, da angolazioni strane. Spesso scoprono tesori trascurati o eccentrici, evidenziando ciò che i musei hanno ma non usano; possono anche rivelare i punti deboli di una collezione, i suoi pregiudizi e i suoi punti ciechi. E nell'usare le creazioni degli altri per creare nuove connessioni, gli artisti mostrano anche nuovi lati di se stessi.

Quindi immagina cosa succede quando il Museo Guggenheim invita sei artisti a selezionare sei mostre tematiche separate ma incrociate, una per ogni rampa della sua celebre rotonda. tu ottieni Licenza artistica: Six Takes on the Guggenheim Collection, una rara, abbagliante, vertiginosa cornucopia di oggetti, punti di vista e agende.



Il Guggenheim non ha mai allestito una mostra selezionata da un artista e fare il grande passo con sei trasforma quello che avrebbe potuto essere un leggero progetto estivo in una conversazione provocatoria a sei facce. Gli artisti, che hanno tutti avuto mostre personali al museo, erano limitati alle opere della collezione dal 1900 al 1980, ma erano comunque liberi di criticare: una mossa intelligente in un momento in cui i musei sono sottoposti a nuove pressioni per rimanere rilevanti.

Organizzati da un team guidato da Nancy Spector, direttore artistico e curatore capo del museo, gli artisti sembrano divertirsi.

Cai Guo-Qiang fissata su opere che mostrano principalmente i grandi nomi di Guggenheim prima che diventassero beni culturali. Paul Chan ha realizzato un affascinante saggio sui ruoli cruciali del piacere e dell'acqua come forme di rinnovamento. Richard Prince e Julie Mehretu si sono concentrati sull'astrazione del dopoguerra, per scopi molto diversi. Alla ricerca del lavoro di artisti del colore e delle donne - e non sempre trovandolo - Carrie Mae Weems e Jenny Holzer hanno affrontato efficacemente la mancanza di problemi di diversità del Guggenheim.

‘Non-Brand’

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Credito...Karsten Moran per il New York Times

Lo spettacolo inizia con un delizioso esercizio di riscaldamento selezionato dallo scultore e artista di installazioni Cai Guo-Qiang, nato in Cina e residente a New York, che dipinge con la polvere da sparo. Il signor Cai ha appeso alla parete principale dello stile del salone dell'Alta Galleria 75 opere su carta dall'aspetto piuttosto sconosciuto e piccoli dipinti per lo più di artisti canonici prima che sviluppassero i loro stili distintivi, come dice nella sua introduzione: Kandinsky, Miró, Beuys, Picasso , Louise Nevelson e soprattutto opere meravigliose di Franz Kline e Mark Rothko.

Altri sono di artisti radicati nella storia del museo, come Hilla Rebay, una delle sue fondatrici, rappresentata da un agile collage di un nudo femminile. Il signor Cai ha incluso anche molte delle sue opere qui, piccoli dipinti di paesaggi dei primi anni '80, quando usava per la prima volta gli oli e si adattava agli stili occidentali e stava appena iniziando a trovare la sua strada, come i giovani artisti qui.


'Sesso, acqua, salvezza o cos'è un bagnante?'

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Credito...Karsten Moran per il New York Times

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Credito...Karsten Moran per il New York Times

Paul Chan è meglio conosciuto per progetti concettuali piuttosto arcani, ma qui diventa quasi romantico, stendendo uno shock di moquette blu brillante che delizia ancor prima del suo invito a riflettere su come il piacere ci rinnova. Non possiamo lavorare per il cambiamento in questi tempi di punizione senza piacere, sostiene il signor Chan, e vede l'acqua - purificante, curativa, sibaritica - come la sua fonte universale, spesso unita nell'arte al motivo del bagnante, in cui il spirituale , il materiale e il sensuale coincidono.

Qui, la conferma inizia con un pezzo in lingua di Lawrence Weiner To the Sea … e Summer, quasi tutto blu di Mondrian, Dune in Zeeland (1910), e termina con un esuberante de Kooning in ritardo. Laurie Simmons, Ilse Bing, Rufino Tamayo, George Platt Lynes ed Ernst Ludwig Kirchner evocano bagnanti e bagni (anche nei bagni). Il piacere, come l'acqua, è uno degli elementi essenziali della vita. Ignoriamo il primo e sprechiamo il secondo, a nostro rischio e pericolo.


'Quattro dipinti che sembrano giusti'

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Credito...Afro/Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Roma; José Guerrero/Artists Rights Society (ARS), New York/VEGAP, Madrid; Karsten Moran per il New York Times

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Credito...Estate di Paul Jenkins/Autorizzato da ADAGP; Karsten Moran per il New York Times

Conosciuto per il suo sardonico prestito di immagini, il pittore e fotografo Richard Prince assembla una sorta di indovinello. La sua sezione, Four Paintings Looking Right, riecheggia i titoli dei suoi primi lavori fotografici che commentavano l'assordante somiglianza dei modelli e delle pose nelle pubblicità sulle riviste, come il suo Senza titolo (Quattro donne che guardano nella stessa direzione) dal 1977. Ma qui, giusto è anche un giudizio qualitativo, come in corretto.

Il suo obiettivo è l'ascesa dell'astrazione americana negli anni del dopoguerra, che secondo lui era in realtà un movimento transnazionale, e contesta anche l'eccessiva enfasi sull'originalità e la paternità. Presenta gruppi di opere astratte sorprendentemente simili, la maggior parte di artisti meno noti provenienti da diversi continenti. I disegni di Philip Guston, Judit Reigl e Georges Mathieu sono composizioni lineari che evocano impalcature attenuate. I dipinti di Jack Tworkov, Afro e José Guerrero ripetono un uso audace del giallo e del nero. Un falso Pollock della collezione dell'artista è in contrasto con quello vero del Guggenheim.

Un grande dipinto del 1956 dell'americano Paul Jenkins, The Prophecy, offre una vista apocalittica simile a quella del pittore britannico del XIX secolo John Martin. E due tele del 1961-62 (anch'esse di proprietà di Mr. Prince) di Stuart Sutcliffe, uno dei primissimi bassisti dei Beatles che ha rinunciato al rock 'n' roll per l'arte, sembrano perfettamente a posto. Così fai una serie di meravigliose sculture poco viste di Herbert Ferber, Claire Falkenstein, Michael Lekakis ed Étienne Hajdu.


'Piangi oro e vedi nero'

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Credito...The Estate of Francis Bacon/DACS, Londra/Artists Rights Society (ARS), New York; Karsten Moran per il New York Times

La pittrice Julie Mehretu ha un approccio completamente diverso allo stesso periodo del dopoguerra: è poco riconosciuto globale tumulto - dalle scosse di assestamento dell'Olocausto all'avvento dell'era atomica, l'ascesa del movimento americano per i diritti civili e le guerre di indipendenza dell'Africa - e il modo in cui tutto si riverbera attraverso l'arte.

L'astrazione, scrive, ha fornito un vocabolario sperimentale con cui indicare l'entità della distruzione causata dalla guerra. Trova l'eco di una conflagrazione in un rilievo di legno bruciato da Alberto Burri così come nelle opere di James Lee Byars e Norman Lewis . La frammentazione dei corpi si riscontra negli sforzi di Francis Bacon, David Hammons, Wifredo Lam e del pittore cileno Matta; una delle prime sculture in piombo strappato di Richard Serra e una performance in tre fotografie di Senga Nengudi .

La signora Mehretu resuscita anche gli autoritratti sfocati basati sulla performance dei dimenticati Fagioli Blythe seguito da un grande dipinto di Asger Jorn che evoca esuberante il caos. La signora Mehretu trova molti Sturm und Drang in astrazione; è uno specchio dei suoi tempi.


'Cosa avrebbe potuto essere'

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Credito...Karsten Moran per il New York Times

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Credito...Artists Rights Society (ARS), New York/VG Bild-Kunst, Bonn; Museo Solomon R. Guggenheim, New York

L'artista Carrie Mae Weems trova la collezione del Guggenheim dolorosamente carente nelle opere di artisti neri, marroni o donne. Nel suo testo sul muro si complimenta con il museo per i suoi numerosi oggetti meravigliosi e simili a gioielli, ma afferma senza mezzi termini che manca della complessità di una rappresentazione veramente diversa, che avrebbe potuto essere facilmente raggiunta, se i suoi occhi fossero aperti.

Per accentuare questa assenza si è rivolta alla metafora, limitandosi quasi interamente a opere in bianco e/o nero. L'unica opera con colori reali è il dipinto del 1934 di Max Beckmann, Ali With Mask, che ritrae un'odalisca indolente la cui maschera nera la fa sembrare quasi accecata - come il museo, sembra dire la signora Weems. Le sue selezioni formano un corteo elegiaco di dipinti e sculture di Alberto Giacometti, Mondrian, Armando Morales e Franz Kline.

Tali opere riflettono un'integrazione formale, il dinamismo e persino l'interdipendenza del bianco e nero. Un gruppo di fotografie provenienti da tutto il mondo ritraggono persone bianche o nere, ma mai entrambe insieme. L'eccezione è agghiacciante: Frederick Ashton With Dancers di George Platt Lynes, un ritratto del 1934 del coreografo britannico, in completo, con tre uomini neri, nudi, schierati davanti a lui. In una delle giustapposizioni più sorprendenti della mostra, il dipinto nero a forma di pinna di Marilyn Lenkowsky del 1977 si affaccia su Bask, una scultura in pino macchiato del 1976 di Martin Puryear che si alza dal pavimento come un'onda o il bordo di una roccia.


'Buoni artisti'

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Credito...Tenuta di Louise Nevelson/Artists Rights Society (ARS), New York; Karsten Moran per il New York Times

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Credito...Helen Frankenthaler Foundation Inc./Artists Rights Society (ARS), New York; Karsten Moran per il New York Times

Continuando l'esame della signora Weems delle debolezze del museo, l'artista provocatoria Jenny Holzer affronta la piccola percentuale di opere di donne della collezione in un'impressionante mostra dedicata ai loro sforzi. (Il museo afferma che circa il 15 percento delle opere della collezione dal 1900 al 1980 sono di artiste donne.) La sua sezione è allo stesso tempo una celebrazione e un rimprovero delle carenze del museo. Include un pezzo da parete spettrale in tela dipinta di Lee Bontecou e l'enorme rilievo in legno dipinto di Nevelson del 1971, la cui composizione uniformemente ritmica lo rende uno dei suoi migliori.

Il colore riemerge nell'esuberante Canada I (1975) di Joan Mitchell, l'inizio del suo ultimo, grande periodo, sospeso in una baia a parte e poi esplode con i gialli scuri condivisi da Cats (rayist percep.[tion] in rose) di Natalia Goncharova , nero e giallo) del 1913, e il sontuoso Canal di Helen Frankenthaler del 1963. Nell'arco di mezzo secolo, costituiscono uno dei momenti migliori dello spettacolo e sembrano sottolineare il messaggio della signora Holzer: in qualsiasi momento della storia ci sono sempre bravi artisti che sono donne.

C'è un'ammirevole tensione e chiarezza tra le dichiarazioni degli artisti e ciò che hanno messo in mostra che rende Licenza Artistica densa ed emozionante e sosterrà visite ripetute. Le sezioni si completano o si contraddicono, rendendo lo spettacolo più della somma delle sue parti considerevoli. Non fa altro che capovolgere il Guggenheim, rivelando ciò che l'enfasi del museo ha raggiunto sia all'interno che all'esterno del canone e anche dove deve girare dopo: verso l'area del mainstream precedentemente nota come i margini, che è davvero ovunque.


Licenza artistica: Six Takes on the Guggenheim Collection

Fino al 12 gennaio al Solomon R. Guggenheim Museum, Manhattan; 212-423-3500, guggenheim.org .