Piccolo può essere bello, ma quando si tratta di pittura astratta, raramente è di moda. Big è al centro della scena almeno dai tempi di Jackson Pollock; le piccole astrazioni di pittori come Myron Stout, Forrest Bess e Steve Wheeler sono per lo più relegate in secondo piano, lì da considerarsi eccentriche o eccessivamente preziose. Paul Klee è stato probabilmente l'ultimo genio della piccola astrazione a cui è stato concesso di aderire a pieno titolo al canone modernista.
Ma ciò che viene emarginato può diventare anche una forma di dissenso, un modo per contrastare le tesi prevalenti e schivarne le insidie. È difficile, ad esempio, lavorare in piccolo e concedersi lo sbalorditivo grado di spettacolo che affligge così tanta arte oggi. In un'epoca di sovrabbondanza e spreco su ogni fronte, compressione ed economia hanno un fascino innegabile. E se una grande opera d'arte è essenziale in tutte le sue parti, che non ha nulla di superfluo o che può essere sottratto, lavorare in piccolo può aumentare le probabilità.
Piccoli dipinti di tipo astratto stanno avendo un momento in questo momento a New York, con una mostra luminosa al New Museum of Contemporary Art che mette in luce il lavoro ironico e meticolosamente lavorato della pittrice tedesca Tomma Abts; e PaceWildenstein che presenta a Chelsea gli ultimi sforzi di James Siena e Thomas Nozkowski, due vecchi maghi americani dell'astrazione sottodimensionata. Anche il modernismo del dopoguerra potrebbe essere ridimensionato un po', con una mostra intitolata Suitcase Paintings: Small Scale Abstract Expressionism che aprirà il mese prossimo al Baruch College.
Quattro giovani pittori che abbracciano la piccolezza ora fanno mostre personali ?? tre di loro debutta a New York ?? che sfidano l'importanza della grande tela.
Piccole astrazioni evitano la lunga tradizione realista della pittura come finestra, e anche quella più breve, tardomodernista, della pittura come parete piatta. Invece queste opere più piccole si allineano a convenzioni meno decantate (e talvolta meno maschili): la pagina stampata, i codici miniati, le icone e le targhe.
Eppure, come dimostra ciascuna di queste quattro mostre, l'astrazione consente una seria esplorazione del processo nonostante il limitato patrimonio immobiliare. Questo espande il già notevole piacere di guardare dipinti che non sono molto più grandi della tua testa.
ImmagineScott Olson
Le geometrie intensamente improvvisate dei dipinti di Scott Olson, viste nel suo debutto a New York da Taxter & Spengemann a Chelsea, evocano l'illuminazione dei manoscritti filtrata attraverso il costruttivismo e altri stili astratti. I suoi colori hanno una sottigliezza leggermente annacquata e retroattiva; spesso sono traslucidi, per rivelare le decisioni complesse e gli elaborati processi racchiusi in ogni opera.
Diversi supporti fisici (tela, fibra di legno, legno pesantemente gessato) complicano ulteriormente i processi di Mr. Olson. In Untitled (N. 7) e Untitled (N. 32) taping e retaping hanno lasciato frammenti di colore nitido che si stagliano come piccole rovine su grigi e neri assorbenti. In Untitled (N. 31) e Untitled (N. 8) le forme sono adagiate in sottili velature dalle trame fini e variegate, creando camere d'eco di forme che suggeriscono gioielli sfaccettati, appiattiti.
Il signor Olson vuole chiaramente realizzare dipinti la cui piccolezza non escluda di trovare qualcosa di nuovo ogni volta che guardi.
Katy Moran
I piccoli quadri della prima mostra newyorkese di Katy Moran, da Andrea Rosen a Chelsea, si inseriscono in un'altra tradizione ?? lo schizzo dell'olio all'aria aperta. Ma trasforma la sua tela, che misura sempre 15 x 18 pollici, in un'arena molto piccola in cui recitare. Il suo vivace lavoro di pennello crea un senso di gesto e movimento che è quasi comico, come se un artista lillipuziano dall'ambizione eccessiva si stesse precipitando, dispensando profusioni di riccioli piumati e linee taglienti di vernice.
Questi segni spesso si sommano a piccoli set rococò che implicano figure che si precipitano ?? tafferugli e scaramucce tra esseri che si muovono troppo velocemente per essere identificati. Possono essere umani (vedi il rotolo orizzontale di Meeting in Love), uccelli (il confronto di Pecking Order) o qualche altro animale interamente (Orton). Oppure potrebbero non essere niente del genere.
Le doppie cime marrone su malva di Hoopers Retreat suggeriscono una baraccopoli acciottolata, con Hooper come punto rosa al centro. A volte dalla confusione emergono accenni di paesaggi marini o di nature morte.
I colori della signora Moran, invece, sono riservati e pervasi di luce: una vasta gamma di grigi delicati, marroni malva, abbronzature giallastre e una varietà di bianchi che mantengono distinta l'azione pittorica. Il loro obiettivo sembra essere quello di conferire un'aria di dignità al procedimento, ma è il tumulto, sospeso nell'aria, che prevale.
Matt Connors
I colori si illuminano e la geometria ritorna in Enjambment, l'allettante mostra di Matt Connors alla galleria del centro Canada, dove le sue composizioni squadrate sono costruite con assi o nastri di tonalità contrastanti.
Il lavoro di Mr. Connors può a volte avventurarsi verso le medie dimensioni, almeno rispetto agli altri tre artisti. Il cubismo della terza ondata (senza contatto), ad esempio, misura 34 x 36 pollici ?? ma è un'eccezione. Come suggerisce il titolo, il Modernismo è molto nella mente di Mr. Connors. La griglia, il monocromo, il minimale, il concentrico e il parallelo ricevono tutti un cenno, ma anche un occhiolino. Ma quando è abbondante, i suoi colori sono festosi e un po' scadenti.
C'è un'allegra seconda mano qui, un senso di vaghe appropriazioni e fonti anonime al lavoro. E l'astrazione è considerata come una specie di oggetto. Un'opera senza titolo fa galleggiare un quadrato nero bordato di verde su lino grezzo: non è tanto un dipinto astratto quanto un dipinto di uno.
E la piccolezza non esclude l'arte installativa. I motivi della Sala di lettura sono infatti dipinti su due tele diverse, una più piccola appoggiata a una leggermente più grande, entrambe appoggiate su uno stretto ripiano incassato nel muro. Un'altra opera, i cui veli scuri evocano la pittura Color Field, è appesa a un rettangolo nero dipinto direttamente sul muro.
Michaela Eichwald
Michaela Eichwald è di Colonia, in Germania, dove la pittura astratta è stata fruttuosamente deviata per quasi due decenni, grazie ad artisti come Jutta Koether, Michael Krebber e Kai Althoff. Il debutto della signora Eichwald a New York al Reena Spaulings Fine Art in centro si intitola Ergriffenes Dasein: Artist Writer Mentalist. (Il rilascio della galleria traduce la prima frase come Moved by Life.)
Il lavoro della signora Eichwald continua la deviazione ma la spinge in una direzione da lei scelta. C'è una qualità casuale sia nei suoi dipinti che nella manciata di piccole sculture che sta mostrando: spesso incorporano oggetti o immagini trovati e trasudano un'aria estranea. La lacca è un materiale frequente, il che significa che i colori sono ricchi e che le superfici tendono al lucido, ricordando placche ceramiche o cloisonné.
L'immaginario della signora Eichwald vira verso un espressionismo giocoso e vagamente figurativo. La superficie per lo più viola e screpolata di N.Y.C. ospita un volto con grandi denti turchesi. Potrebbe quasi essere un piatto di Picasso. Alcune caratteristiche ?? come il blob marrone toccato di rosso in Struck o la A maiuscola e l'albero calligrafico di A-Abre, incorniciato in rosa, rosso e blu ?? si qualificano come neo-espressionismo, ma aggiungono un altro strato di autocoscienza riducendo lo stile a una dimensione gestibile. Esemplifica una delle tante gioie dei piccoli.